KENKE FEST 2025

Orlando, Florida. Noviembre 05/ El KENKE FEST 2025 cerró sus puertas el pasado domingo 26 de octubre dejando una sensación de triunfo total entre asistentes, artistas y organizadores. A pesar de la lluvia que amenazó con opacar la jornada, el público respondió con una energía avasalladora que permitió que el festival se desarrollara con total normalidad y un ambiente vibrante.

KENKE FEST 2025

El Anfiteatro Walt Disney se llenó de música, talento y diversidad, reafirmando al KENKE FEST como un escenario imprescindible para la música independiente. La programación de este año permitió a los asistentes descubrir nuevas propuestas que marcaron la diferencia, como Stassis y Grace, quienes sorprendieron con fuerza y autenticidad. La noche también celebró la vigencia de grandes referentes, entre ellos la icónica banda Distrito Especial.

KENKE FEST 2025

El festival recorrió múltiples géneros, desde el rock y el pop hasta un cierre espectacular a cargo de AlcolirykoZ, la agrupación de hip hop más influyente de Colombia. El humor y la improvisación también tuvieron su momento destacado con la participación de Perros Criollos, quienes regalaron risas y espontaneidad al público.

KENKE FEST 2025

“Estamos inmensamente felices con la respuesta de la gente. La lluvia no pudo apagar la pasión de nuestro público ni el talento de los artistas. Este festival es un testimonio de que la #MúsicaLibre es imparable”, expresaron los organizadores.
El ambiente positivo fue la nota dominante del día, dejando una clara sensación de comunidad, celebración y amor por la música independiente.

KENKE FEST 2025

Con la mirada puesta en el futuro, la organización del KENKE FEST cierra esta edición con la satisfacción de un trabajo bien hecho y ya prepara lo que será el KENKE FEST 2026.

Fotos: Juan Beltran.

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Foto: Twitter @Nintendo

Nintendo confirmó oficialmente el 16 de julio de 2025 que la joven actriz británica Bo Bragason interpretará a la Princesa Zelda en la muy esperada adaptación cinematográfica de The Legend of Zelda.

El anuncio, realizado por el legendario creador de videojuegos Shigeru Miyamoto, puso fin a meses de especulación sobre la elección de actores para esta ambiciosa producción de acción real.

La decisión de elegir a Bragason, de 21 años, sorprendió a muchos fanáticos que habían estado apoyando fervientemente a Hunter Schafer de Euphoria para el papel protagónico. Junto a ella, Benjamin Evan Ainsworth, de 16 años, dará vida a Link en esta película programada para estrenarse el 7 de mayo de 2027.

Perfil de Bo Bragason: Una estrella en ascenso

Bo Bragason nació en 2004 en Chichester, West Sussex, Inglaterra, pero pasó gran parte de su infancia entre Luxemburgo y Francia, donde se volvió fluida en francés. Su familia se estableció en el pueblo de Mere, Cheshire en 2014, donde comenzó su formación artística en la Knutsford Academy y posteriormente se unió al Knutsford Little Theatre y al National Youth Theatre.

Su carrera actoral comenzó de manera extraordinariamente temprana: a los tres años debutó en la película francesa «L’Amour Caché» (2007), protagonizada por Mélanie Laurent. Después de una pausa de una década, regresó a la pantalla en 2017 con un papel en la aclamada miniserie de la BBC «Three Girls», donde interpretó a Rachel Winshaw.

Su trabajo más reconocido hasta la fecha ha sido en «Renegade Nell» de Disney+, donde interpretó a Roxy Trotter, la hermana menor de la protagonista en esta serie de aventuras fantásticas ambientada en la Inglaterra del siglo XVIII. La serie, creada por Sally Wainwright (Happy Valley, Gentleman Jack), le proporcionó su primer papel principal en una producción de gran presupuesto.

La polémica de Hunter Schafer y la reacción de los fanáticos

Antes del anuncio oficial, Hunter Schafer había sido la favorita abrumadora de los fanáticos para interpretar a Zelda. La estrella de Euphoria había expresado públicamente su entusiasmo por el papel, declarando: «Sería genial. Me encanta el juego, personalmente. Lo jugué cuando era niña y todavía lo juego ahora».

Las reacciones en redes sociales fueron mixtas tras el anuncio de Bragason. Mientras algunos fanáticos elogiaron la decisión de elegir actores jóvenes y relativamente desconocidos, otros expresaron desilusión por no haber elegido a Schafer. Un usuario de X escribió: «Hablo por todos los fanáticos de Nintendo cuando digo que apoyamos su decisión de que una mujer interprete a Zelda».

Detalles de la producción cinematográfica

Equipo creativo y técnico

La película The Legend of Zelda será dirigida por Wes Ball, conocido por la trilogía The Maze Runner y Kingdom of the Planet of the Apes. Ball ha expresado su visión de crear «algo serio y genial, pero divertido y caprichoso», comparando su enfoque con el trabajo de Hayao Miyazaki del Studio Ghibli.

Shigeru Miyamoto, creador de la franquicia, y Avi Arad, ex director creativo de Marvel Entertainment, servirán como productores. El guión está siendo escrito por Derek Connolly (Jurassic World).

Financiación y distribución

Nintendo financiará más del 50% de la producción, mientras que Sony Pictures Entertainment proporcionará cofinanciación y se encargará de la distribución mundial. Esta colaboración sigue el modelo exitoso de «The Super Mario Bros. Movie», que recaudó más de $1.3 mil millones mundialmente.

Rodaje y localización

El rodaje está programado para llevarse a cabo en Nueva Zelanda entre noviembre de 2025 y abril de 2026. La elección de Nueva Zelanda como locación principal es estratégica, ya que sus paisajes naturales pueden recrear perfectamente el reino mágico de Hyrule. El país ya ha demostrado ser ideal para producciones de fantasía épica con las trilogías de El Señor de los Anillos y El Hobbit.

Sinopsis oficial y expectativas argumentales

Según la sinopsis oficial revelada por Production List, la película seguirá a Link, «un joven guerrero destinado a proteger el reino mágico de Hyrule de las fuerzas de la oscuridad». La historia se centra en la amenaza de Ganon, un señor de la guerra despiadado que busca la Trifuerza, una reliquia antigua que otorga poder ilimitado.

La trama incluirá elementos clásicos de la franquicia:

• Exploración de mazmorras traicioneras
• Batallas contra criaturas monstruosas
• Resolución de acertijos intrincados
• Búsqueda de artefactos sagrados
• La conexión mística entre Link, Zelda y la Trifuerza

Planes de trilogía y expansión cinematográfica

Según informes de la industria, Nintendo y Sony Pictures están planeando una trilogía de películas de Zelda distribuidas a lo largo de seis años. Los contratos de los actores principales supuestamente incluyen compromisos para las tres películas, sugiriendo una narrativa épica que se desarrollará en múltiples entregas.

Esta estrategia refleja el éxito de otras franquicias cinematográficas basadas en propiedades intelectuales populares y el deseo de Nintendo de expandir su presencia en Hollywood después del éxito de The Super Mario Bros. Movie.

Contexto de la franquicia y legado cultural

The Legend of Zelda debutó en 1986 y se ha convertido en una de las franquicias de videojuegos más influyentes y queridas de la historia. Con más de 150 millones de copias vendidas en todo el mundo, la serie ha definido el género de aventuras y acción. Las entregas más recientes, Breath of the Wild (2017) y Tears of the Kingdom (2023), han recibido aclamación crítica universal y han redefinido el concepto de mundos abiertos en los videojuegos.

La adaptación cinematográfica representa un paso significativo en la estrategia de Nintendo de diversificar sus propiedades intelectuales más allá de los videojuegos, expandiéndose hacia parques temáticos, mercancías y entretenimiento cinematográfico.

Reacciones de la industria y expectativas comerciales

La industria cinematográfica ha recibido el anuncio con optimismo cauteloso. Wes Ball ha enfatizado su compromiso de crear «una película seria que pueda ofrecer a las personas un escape», mientras mantiene la diversión y el sentido de aventura que define a la franquicia.

El director ha expresado que «he estado pensando en esto durante mucho tiempo, en lo genial que sería una película de Zelda… Quiero cumplir los mayores deseos de la gente». Su visión incluye crear «algo que se sienta real, serio y genial, pero divertido y caprichoso».

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El Regreso Más Personal del Cantante Canadiense

El álbum, que contiene 21 canciones con una duración aproximada de una hora, representa «el trabajo más personal» de Bieber hasta la fecha, según su discográfica Def Jam Recordings. La compañía describió el proyecto como inspirado por «su devoción como esposo y padre», reflejando una nueva era musical que ofrece «una perspectiva más profunda y un sonido más reflexivo».

La producción incluye colaboraciones destacadas con artistas como Gunna, Sexyy Red, Cash Cobain, Lil B y Eddie Benjamin, entre otros. Entre los títulos más llamativos se encuentran «Dadz Love», «Devotion», «Therapy Session», «All I Can Take», «Walking Away» y «Forgiveness».

Una Campaña de Marketing Innovadora

El anuncio del álbum fue único en su clase. Bieber optó por una estrategia de marketing viral, colocando carteles publicitarios misteriosos en ciudades como Reykjavik (Islandia), Los Ángeles, Times Square en Nueva York y Atlanta. Los carteles mostraban imágenes en blanco y negro del cantante junto con la palabra «SWAG» y la lista completa de canciones.

El jueves 10 de julio, apenas horas antes del lanzamiento, Bieber compartió en Instagram fotografías y videos de estos carteles, confirmando indirectamente el proyecto. La estrategia generó una avalancha de especulaciones en redes sociales, con fanáticos de todo el mundo compartiendo imágenes de los carteles.

Contexto Personal y Profesional

Este regreso musical coincide con importantes cambios en la vida personal de Bieber. El cantante de 31 años se convirtió en padre por primera vez en agosto de 2024, cuando nació su hijo Jack Blues Bieber junto a su esposa Hailey Bieber. La pareja, casada desde 2018, había anunciado su embarazo en mayo de 2024 durante una renovación de votos en Hawaii.

Durante estos cuatro años de pausa musical, Bieber enfrentó varios desafíos personales y profesionales. En 2022, se vio obligado a cancelar gran parte de su gira mundial debido a una parálisis facial causada por el síndrome de Ramsay Hunt. En 2023, se separó profesionalmente de su mánager de larga data Scooter Braun, quien había sido clave en su carrera desde 2008.

Adicionalmente, ese mismo año vendió los derechos de su catálogo musical a Hipgnosis, una empresa de inversión musical británica, en un acuerdo que según Billboard Magazine fue valorado en aproximadamente 200 millones de dólares.

Un Álbum Cargado de Significado Personal

Las letras del álbum reflejan claramente la nueva etapa de vida de Bieber. Títulos como «Dadz Love» y «Therapy Session» sugieren temas relacionados con la paternidad y la salud mental. El álbum también incluye elementos autobiográficos, como audio viral de uno de sus enfrentamientos con paparazzi en el tema «Butterflies».

Una fuente cercana al cantante describió a People que el álbum estaba destinado a ser «más oscuro, más vulnerable y menos pulido» que sus trabajos anteriores, aunque aclaró que «no es deprimente en absoluto».

Proceso de Creación y Ubicaciones

Según reportes de The Hollywood Reporter, Bieber viajó a Islandia a finales de abril para dar los toques finales al proyecto. También realizó sesiones de grabación en su casa de Los Ángeles con colaboradores como DJ Tay James, Carter Lang (colaborador de SZA), y el artista australiano Eddie Benjamin.

El cantante utilizó las instalaciones de Flòki Studios en el Eleven Deplar Farm de Islandia, donde posteriormente describió la experiencia como «el mejor viaje de mi vida».

Recepción Crítica y de Fans

La recepción inicial del álbum ha sido mixta. Los fanáticos han mostrado entusiasmo masivo en redes sociales, con comentarios como «Justin Bieber cocinó» y «SWAG es crudo y hermoso en todos los sentidos». Muchos han comparado el sonido con el de Michael Jackson, especialmente en la canción «All I Can Take».

Sin embargo, la crítica especializada ha sido más cautelosa. The Independent otorgó al álbum una calificación de 2.0/5, describiendo el trabajo como «un lastre temeroso de Dios e hipersexual». La reseña critica la falta de coherencia tonal entre las canciones religiosas y las de contenido sexual explícito.

Por otro lado, Clash Magazine fue más generoso, otorgando una calificación de 7/10, elogiando la creatividad y el atrevimiento del álbum, aunque reconociendo que su extensión de 21 canciones puede ser excesiva.

Impacto Comercial Inicial

En las primeras horas posteriores al lanzamiento, «SWAG» ya ocupaba posiciones destacadas en las principales plataformas de streaming como Spotify y Apple Music. El álbum se lanzó simultáneamente en más de 200 países y generó millones de compartimiento en redes sociales.

Los títulos de las canciones han generado tendencias en Twitter y otras plataformas, con fans creando contenido viral y memes relacionados con el álbum.

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ARCHIVO / Foto: Diddy

Un jurado federal en Manhattan declaró culpable este miércoles a Sean «Diddy» Combs de dos cargos de transporte para ejercer la prostitución, pero lo absolvió de los cargos más graves de tráfico sexual y conspiración para cometer crimen organizado.

El magnate del hip-hop de 55 años enfrentó un total de cinco cargos federales en un juicio que duró casi ocho semanas.

El Veredicto Final Tras Días de Deliberación

Después de más de dos días de deliberaciones, el jurado compuesto por ocho hombres y cuatro mujeres llegó a un veredicto completo en la mañana del miércoles. El martes habían informado al juez Arun Subramanian que habían alcanzado una decisión en cuatro de los cinco cargos, pero no podían llegar a un consenso unánime sobre el cargo de conspiración para cometer crimen organizado debido a «opiniones inconmovibles en ambos lados».

El veredicto específico fue el siguiente:

Cargo 1 (Conspiración para cometer crimen organizado): NO CULPABLE

Cargo 2 (Tráfico sexual de Cassie Ventura): NO CULPABLE

Cargo 3 (Transporte para prostitución de Cassie Ventura): CULPABLE

Cargo 4 (Tráfico sexual de «Jane»): NO CULPABLE

Cargo 5 (Transporte para prostitución de «Jane»): CULPABLE

Al escuchar el veredicto, Combs apareció aliviado y brevemente levantó las manos al aire. También hizo gestos de oración dirigidos al jurado cuando se levantaron para retirarse.

Los Cargos y las Víctimas

El juicio se centró en las acusaciones de que Combs organizaba encuentros sexuales elaborados conocidos como «freak-offs», que supuestamente duraban varios días e incluían drogas, durante los cuales obligaba a sus ex parejas a tener relaciones sexuales con escorts masculinos mientras él observaba y a veces filmaba.

Las dos víctimas principales fueron:

Cassie Ventura (Casandra Ventura), su ex pareja de larga duración que presentó la demanda civil inicial en noviembre de 2023 que desencadenó la investigación criminal. La relación comenzó cuando Ventura tenía 19 años y Combs 37, después de que ella firmara con su sello discográfico Bad Boy Records en 2005.

«Jane», otra ex pareja que testificó bajo seudónimo sobre supuestos abusos que ocurrieron entre 2021 y 2022.

Las Acusaciones que No Prosperaron

Los fiscales habían acusado a Combs de dirigir una «empresa criminal» durante dos décadas, utilizando su imperio comercial para ocultar actividades delictivas que incluían soborno, distribución de drogas, intimidación de testigos, trabajo forzado, secuestro e incendio provocado. La fiscal Maurene Comey argumentó que Combs usó «poder, violencia y miedo» para controlar a sus víctimas y que creía que «su fama, riqueza y poder lo ponían por encima de la ley».

Sin embargo, el jurado no se convenció de que Combs hubiera forzado a través de violencia e intimidación a sus ex parejas a participar en actos sexuales con escorts masculinos contra su voluntad, que constituía el núcleo de las acusaciones de tráfico sexual.

La Estrategia de la Defensa

El equipo de defensa de Combs, liderado por Marc Agnifilo, argumentó que los encuentros sexuales eran consensuales y que la fiscalía estaba tratando de criminalizar el «estilo de vida swinger» de Combs. Durante los argumentos finales, Agnifilo declaró: «¿Dónde está la escena del crimen? La escena del crimen es su vida sexual privada».

Notably, la defensa no llamó a ningún testigo durante todo el juicio, incluyendo al propio Combs, argumentando simplemente que el gobierno no había probado su caso más allá de toda duda razonable.

Las Posibles Consecuencias

Cada cargo de transporte para prostitución bajo la Ley Mann conlleva una pena máxima de 10 años de prisión, lo que significa que Combs podría enfrentar hasta 20 años si el juez decide imponer las sentencias de forma consecutiva.

Inmediatamente después del veredicto, la defensa solicitó la liberación de Combs de la detención federal, donde ha estado desde su arresto en septiembre de 2024. Agnifilo argumentó que las acusaciones de transporte son «de naturaleza vastamente diferente» a los cargos más graves de los que fue absuelto, y propuso que viva en su casa en Florida.

Sin embargo, la fiscal Maurene Comey se opuso a la solicitud y declaró que el gobierno buscará una sentencia máxima de 20 años para Combs.

Los Antecedentes del Caso

El caso se originó con la demanda civil de Cassie Ventura en noviembre de 2023, que acusaba a Combs de violación, tráfico sexual y abuso físico durante más de una década. Aunque la demanda se resolvió al día siguiente por una cantidad no revelada, desencadenó una investigación federal que llevó al arresto de Combs en septiembre de 2024.

El video de seguridad de 2016 que mostró a Combs agrediendo físicamente a Ventura en un hotel de Los Ángeles se convirtió en evidencia clave, llevando a Combs a emitir una disculpa pública en mayo de 2024 donde declaró estar «realmente arrepentido» y que sus acciones eran «injustificables».

El juicio incluyó testimonios de 34 testigos presentados por la fiscalía durante casi siete semanas, incluyendo testimonios de Ventura y un escort masculino sobre los supuestos «freak-offs».

Declaración del Abogado de Cassie Ventura

Tras el veredicto, Doug Wigdor, abogado de Cassie Ventura, declaró: «Este procedimiento criminal completo comenzó cuando nuestra cliente, Cassie Ventura, mostró una valentía extraordinaria al presentar su demanda civil en noviembre de 2023. Al compartir su historia, Cassie ha tenido un impacto duradero tanto en el sector del entretenimiento como en la búsqueda de justicia».

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ARCHIVO: George Wendt / Foto: Wikimedia Commons

El icónico actor y comediante estadounidense George Wendt, recordado por millones de espectadores por su papel como Norm Peterson en la legendaria serie «Cheers», falleció el martes 20 de mayo de 2025 a los 76 años de edad.

Según confirmaron fuentes cercanas, Wendt murió tranquilamente mientras dormía en su hogar por causas naturales, dejando un importante legado en la televisión y el cine norteamericano.

Una carrera dedicada a la comedia

George Wendt nació en Chicago el 17 de octubre de 1948 y comenzó su trayectoria artística en los años 70, abriéndose paso en el mundo de la comedia a través del circuito de improvisación de su ciudad natal3. Sus inicios en la pantalla fueron modestos, con apariciones sin acreditar en películas como «Un día de boda» y pequeños roles en series populares como «MAS*H», «Soap» y «Taxi» 4 5.

Sin embargo, el verdadero salto a la fama llegó en 1982 cuando fue seleccionado para interpretar a Norm Peterson en «Cheers», tras su breve participación en la malograda serie «Making the Grade», que fue cancelada después de solo seis episodios 4 5. «Cheers», que se emitió entre 1982 y 1993 en la cadena NBC, se convirtió rápidamente en una de las comedias más queridas de la televisión estadounidense, ambientada en un bar de Boston donde un grupo de clientes habituales compartían sus vidas 1.

El entrañable Norm Peterson

En «Cheers», Wendt dio vida a un contador simpático y robusto que se convirtió en uno de los personajes más queridos de la serie. Su interpretación de Norm Peterson le valió seis nominaciones consecutivas al Emmy como mejor actor de reparto en una serie de comedia entre 1984 y 1989 1 3. A pesar de no conseguir ganar el galardón, su personaje quedó grabado en la memoria colectiva como parte fundamental del éxito de la serie.

Lo más destacable es que Wendt apareció en todos los episodios de las once temporadas del programa, convirtiéndose en uno de los pilares de esta comedia de culto que también contaba con estrellas como Ted Danson, Rhea Perlman y Woody Harrelson 3. Posteriormente, repitió brevemente su papel en «Frasier», el exitoso spin-off protagonizado por Kelsey Grammer 5.

Una filmografía extensa y variada

A lo largo de su carrera, George Wendt participó en más de 60 producciones cinematográficas y televisivas 2. Entre sus apariciones en la gran pantalla destacan películas como «Dreamscape» (1984), «House» (1985), «Fletch» (1985), «Gung Ho» (1986), «Plains Clothes» (1987), «Never Say Die» (1988), «Guilty by Suspicion» (1991), «Forever Young» (1992) y «Spice World» (1997) 1.

Uno de los papeles curiosos que interpretó fue el del gruñón padre de un niño (Macaulay Culkin) en el famoso video musical de Michael Jackson «Black or White», dirigido por Jon Landis en 1991 1. Tras el fin de «Cheers», Wendt continuó trabajando en televisión con apariciones episódicas en series populares como «Seinfeld», «Becker» (donde se reencontró con Ted Danson), «Spin City» y «Sabrina: Cosas de brujas» 5.

El actor también puso su voz a personajes en series animadas como «Los Simpson», demostrando la versatilidad de su talento 5. Incluso tuvo su propio programa, «The George Wendt Show», aunque solo duró ocho episodios 5.

Un legado familiar

Un dato poco conocido sobre Wendt es que era tío de Jason Sudeikis, el intérprete de «Ted Lasso», quien era hijo único de una de sus seis hermanas 1. Este vínculo familiar entre dos actores de comedias exitosas de distintas épocas refleja la continuidad de su legado en el mundo del entretenimiento.

Reacciones y despedida

La muerte de Wendt fue confirmada por su publicista Melissa Nathan, quien emitió un comunicado en nombre de la familia: «George era un cariñoso hombre de familia, un amigo muy querido y confidente de todos los que tuvieron la suerte de conocerlo. Lo extrañaremos por siempre. La familia ha solicitado privacidad durante este tiempo» 1 3 4.

Su fallecimiento representa una pérdida significativa para la industria del entretenimiento y para los millones de espectadores que crecieron viendo sus interpretaciones. George Wendt deja tras de sí un legado de risas y momentos memorables que perdurarán en la historia de la televisión estadounidense.

La partida de George Wendt marca el fin de una era para los fanáticos de la televisión clásica estadounidense. Su interpretación de Norm Peterson en «Cheers» trascendió generaciones y se mantiene como uno de los personajes más entrañables de la comedia televisiva. Su carisma, talento para la comedia y presencia en pantalla le ganaron un lugar especial en el corazón de millones de espectadores, y su legado continuará vivo a través de las retransmisiones y plataformas de streaming donde nuevas generaciones podrán disfrutar de su trabajo.

George Wendt (1948-2025) será recordado no solo como el simpático parroquiano de un bar ficticio en Boston, sino como un actor que supo encarnar a la perfección el espíritu de la comedia americana.

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ARCHIVO / Foto: Toglenn

El reguetonero puertorriqueño ocupa el tercer lugar con $325 millones en ganancias, solo superado por Taylor Swift y Drake.

Nueva York, EE.UU. — La revista Forbes reveló su lista de los artistas musicales mejor pagados en Spotify gracias a las reproducciones de sus canciones, y Bad Bunny se consolida como el único latino en el Top 10, con ingresos estimados en $325 millones de dólares.

El podio del streaming

1. Taylor Swift – $386 millones

2. Drake – $331 millones

3. Bad Bunny – $325 millones

El puertorriqueño, con 81.3 mil millones de streams, demuestra su dominio global, superando a estrellas como The Weeknd, Ed Sheeran y Eminem.

El éxito de «Debí Tirar Más Fotos»

• Su más reciente álbum debutó en el #2 del Billboard 200.

• Ha vendido 122,000 unidades solo en EE.UU.

• Incluye éxitos como «Baile Inolvidable» y «Pitorro De Coco».

¿Cómo se reparten las ganancias?

Las regalías por streaming se dividen entre:
✔ Artistas
✔ Compositores
✔ Productores
✔ Discográficas

Top 10 completo

1. Taylor Swift – $386 millones

2. Drake – $331 millones

3. Bad Bunny – $325 millones

4. The Weeknd ($270M)

5. Ed Sheeran ($205M)

6. Ariana Grande ($203M)

7. Eminem ($192M)

8. Justin Bieber ($185M)

9. Kanye West ($176M)

10. Billie Eilish ($174M)

Bad Bunny sigue rompiendo récords y reafirmando el poder de la música latina en la era digital. ¿Logrará superar a Drake y Swift pronto?

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Foto: Billy Hathorn

El Hotel Roosevelt, de Nueva York, enfrenta un futuro incierto. Las autoridades municipales anunciaron en febrero sus planes de dejar de usarlo como albergue y centro de procesamiento para migrantes a partir de este verano.

El Hotel Roosevelt, un ícono de la ciudad de Nueva York durante más de un siglo, se enfrenta una vez más a un futuro incierto. En febrero pasado, las autoridades municipales anunciaron sus planes de dejar de usarlo como albergue y centro de procesamiento para migrantes a partir de este verano.

Inaugurado en 1924 para atender a los pasajeros de la cercana Grand Central Terminal, el icónico hotel ha resistido la Prohibición, la Gran Depresión, la Segunda Guerra Mundial y el 11 de septiembre.

Sin embargo, la pandemia de COVID-19 de 2020 obligó al hotel a cerrar sus puertas a los huéspedes debido a pérdidas financieras, antes de su breve resurgimiento en 2023 como centro de afluencia de migrantes indocumentados que inundaban la ciudad.

A pesar de todo, el Roosevelt, conocido cariñosamente como la «Gran Dama de Madison Avenue», se convirtió en un escenario favorito de películas, protagonizado por innumerables clásicos de Hollywood y series de televisión.

Vista del vestíbulo principal del Hotel Roosevelt, según una foto de 1925 de la revista Hotel Monthly. (Dominio público, cortesía de HathiTrust)

Aunque su destino sigue siendo incierto, el pasado del Roosevelt, capturado en fotografías y películas, sirve como un microcosmos de la ciudad de Nueva York y la historia estadounidense.

1924 – Bautizado con el nombre del presidente Theodore Roosevelt, el hotel abrió sus puertas tan solo cuatro años después del inicio de la Ley Seca, la prohibición nacional del alcohol que duró 13 años en Estados Unidos.

Si bien la Ley Seca obligó al cierre de algunos hoteles de la ciudad, la zona alrededor de Grand Central floreció en los años de la posguerra, atrayendo a promotores comerciales, incluidos los que estaban detrás del Roosevelt. Aunque no se encontraba entre los hoteles más opulentos de Nueva York, el hotel de cuatro estrellas se alzaba como una imponente presencia en Midtown Manhattan, elevándose 19 pisos hacia el horizonte.

Debido a la Ley Seca, el Roosevelt rompió con la tradición y pasó a tener tiendas en lugar de salones y bares en la planta baja. También fue uno de los primeros hoteles del mundo en ofrecer servicio de mascotas, guardería y un médico en el hotel.

Vista de la Sala John Alden del primer piso del Hotel Roosevelt, según una foto de 1925 de la revista Hotel Monthly. (Dominio público, cortesía de HathiTrust)

1929 – Con el alcohol fuera de la carta, el Roosevelt se convirtió en un imán para turistas y amantes de la música. En pleno apogeo de la Ley Seca, el famoso director de orquesta Guy Lombardo y sus Royal Canadians ofrecieron su primer concierto en vivo en el Roosevelt Grill del hotel, y continuaron entreteniendo a los fans durante las siguientes tres décadas.

Su interpretación de «Auld Lang Syne», una canción escocesa sobre viejas amistades y amores, se convirtió en una tradición de la noche víspera del Año Nuevo. Posteriormente, la revista Variety aclamó a Lombardo como el «único canadiense en crear una tradición estadounidense», consolidando su legado en el Roosevelt.

1943 – El magnate hotelero Conrad Hilton compró el Roosevelt, junto con el hotel The Plaza, describiéndolo como «un hotel elegante con grandes espacios», y se instaló en su Suite Presidencial. La adquisición consolidó a Hilton como la primera cadena hotelera estadounidense de costa a costa.

Cuatro años después, el Roosevelt volvió a hacer historia al convertirse en el primero en ofrecer un televisor en cada habitación. Pero la propiedad de Hilton terminó en 1956 cuando su compañía se vio obligada a vender la propiedad como parte de una demanda antimonopolio presentada por el gobierno.

1948 – El Roosevelt se convirtió en un centro político a mediados del siglo XX, sirviendo como sede de la campaña del candidato presidencial republicano Thomas Dewey en 1944 y 1948. Dewey perdió ambas elecciones y las reconoció desde el hotel. En los años siguientes, el hotel albergó otros eventos políticos de alto perfil.

Década de 1970-2010 – A partir de la década de 1970, el Roosevelt, con su fachada neoclásica y su interior clásico, se convirtió en uno de los escenarios de rodaje favoritos de los estudios de Hollywood. Entre las más de una decena de películas filmadas allí se encuentran “Contacto en Francia” (1971), “Wall Street” (1987), “Presunto inocente” (1990) y “Mucama en Manhattan” (2002). También se han filmado varias series de televisión, entre ellas: “Mad Men” y “Ley y orden”.

1979 – El hotel cambió de propietario varias veces antes de que Pakistan International Airlines, con el apoyo del príncipe saudí Khalid bin Faisal Al Saud, asumiera la gestión de manos de una familia inmobiliaria neoyorquina. El acuerdo incluía la opción de compra del hotel por 36,5 millones de dólares tras 20 años, un acuerdo que la aerolínea cerró en el año 2000.

Considerado patrimonio nacional por el gobierno pakistaní, el Roosevelt se convirtió en el alojamiento predilecto de los primeros ministros y otros dignatarios pakistaníes que visitaban Nueva York. A finales de los 90, el hotel albergó una actuación en directo en el Grand Ballroom de Junoon, la banda de rock más importante de Pakistán.

Vista de una habitación típica del Hotel Roosevelt, según una foto de 1925 de la revista Hotel Monthly. (Dominio público, cortesía de HathiTrust)

2020-2023: En las últimas décadas, el Roosevelt ha atravesado dificultades económicas. En 2020, cerró sus puertas a los huéspedes, alegando el «entorno sin precedentes» derivado de la pandemia. Recibió un nuevo impulso cuando la ciudad de Nueva York firmó en 2023 un contrato de arrendamiento de tres años por 220 millones de dólares para utilizarlo como albergue y centro de procesamiento para migrantes.

Sin embargo, el contrato resultó ser un simple parche para el hotel, que se encontraba en dificultades. En febrero de 2024, el alcalde Eric Adams anunció que la ciudad cancelaba el contrato, marcando el fin de una era en la historia de Nueva York.

Fuente: Vozdeamerica.com

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El Cristo Redentor Paisa se caracteriza por tener un poncho o una especie de ruana típica sudamericana, un carriel, que es un bolso de cuero símbolo cultural del departamento de Antioquia, y la bandera de Colombia entre sus hombros. (Foto: Jamerson Restrepo)

Medellín desafía a Río de Janeiro con una escultura del Cristo Redentor impresa en 3D, convirtiéndose en la más grande de su tipo en América Latina y con miras a un récord en la guía Guinness.

BOGOTÁ — Con más de 11 metros de altura, el Cristo Redentor Paisa ubicado en la Comuna 13, una de las 16 de Medellín, al oeste de la zona Centro occidental de la ciudad, se posicionó como la escultura impresa en 3D más grande del mundo.

Este monumento formado por más de 1.700 piezas ensambladas como un gigantesco rompecabezas se instaló en la capital paisa en uno de los barrios más turísticos actualmente.

“Realmente en la Comuna 13 pasamos de ser un lugar gris, con un pasado oscuro, a tener un presente lleno de color, de transformación y era lo que yo quería reflejar con este Cristo” así lo describe Jamerson Restrepo, el joven empresario y la mente creativa detrás del Cristo Redentor a quien se le ocurrió desde hace más de un año plasmar su idea a través del arte en 3D.

Jamerson quería plasmar en este Cristo un recuerdo de sus familiares que fueron víctimas de la fuerte violencia que se vivió en la Comuna número 13 San Javier durante la guerra urbana entre 2001 y 2003, donde Jamerson perdió a dos de sus tíos y a su padre.

“Para nadie es un secreto que la Comuna 13 fue uno de los lugares más violentos en todo Colombia e inclusive a nivel Latinoamérica. La Comuna 13 tuvo mucha presencia de guerrilla y paramilitares, tristemente entre esas guerras asesinaron a mi papá y a dos de mis tíos. (…) Por eso, este un homenaje a mis familiares”, relató Jamerson en una entrevista virtual a la Voz de América.

Un Cristo con personalidad paisa

Por más de dos meses, 40 creativos artistas, ingenieros y artesanos colombianos trabajaron para crear esta inmensa figura en 3D que se caracteriza por tener un poncho o una especie de ruana típica en Sudamérica, un carriel, que es un bolso de cuero simbólico de la cultura del departamento de Antioquia, y la bandera de Colombia entre sus hombros, características que lo hacen distinto y único en el mundo.

“Lo que se hizo fue ir armando las 1.700 piezas porque realmente una máquina de impresión 3D no es que haga una pieza muy grande como de 1 metro, 2 metros; realmente son piezas de 25 o 30 cm y lo que se hace es que esas piezas se empiezan a armar como si fuera un rompecabezas”, dijo Jamerson recordando la elaboración de esta pieza que ahora es un nuevo atractivo turístico obligatorio para aquellos que visiten la famosa comuna.

Las 1.700 piezas del Cristo hechas principalmente de ácido poliláctico, un componente biodegradable derivado del maíz, fueron reforzadas con fibra de vidrio y resina para mayor resistencia, permitiendo ser una figura icónica para los paisas apostándole al compromiso ambiental del proyecto.

La obra será postulada a los récord Guinness, destacando su inmensidad, su trabajo y su innovadora tecnología.

Una oportunidad para el turismo

Desde la inauguración del Cristo Redentor Paisa el pasado 20 de diciembre, más de 3.000 personas la han visitado.

Por eso, los creadores de esta obra consideran que el turismo será el más beneficiado con la figura por la visita de cientos de turistas que no se quieren perder la oportunidad de conocer esta escultura ubicada en un lugar lleno de historia y otras muestras culturales que se han consolidado a través de los años.

“La vecina, la que tiene una tienda al lado, me agradece porque ya su ventas se triplicaron, la otra vecina ya está sacando camisas (…) entonces esto no solo me beneficia a mí directamente sino que beneficia indirectamente a las familias de este barrio con el incremento del turismo” afirmó Jamerson.

Cómo visitar el Cristo Redentor Paisa

El Cristo en 3D se encuentra en el segundo descanso de las escaleras eléctricas. El precio de la entrada es de 10.000 pesos colombianos o unos 2,5 dólares. Sin embargo, el recorrido general por la comuna es gratuito y se puede disfrutar de diferentes muestras culturales y vistas panorámicas hacia la ciudad.

Esta estatua, que ahora es el complemento del famoso Grafitur de esta Comuna, ya se empezó a convertir en un nuevo atractivo turístico para los visitantes de la capital paisa y es un ejemplo de que el arte puede contribuir no solo al desarrollo y turismo sostenible, sino a la disposición de sus habitantes al perdón y no repetición.

Fuente: Vozdeamerica.com

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Los hermanos Villalobos fusionan la música tradicional de Veracruz, México con el latin jazz y el rock. [Foto Cortesía Weston Kloefkorn].

Luego de estudiar música en prestigiosas instituciones internacionales, el trío de violinistas de origen mexicano Hermanos Villalobos busca educar y poner en alto el nombre de los latinos en EEUU a través de su talento.

Manassas, Virginia, EEUU — La familia Villalobos, consciente del poder de la música y las palabras, decidieron unirlas para ofrecer a su público mensajes enfocados sobre todo en borrar estigmas asociados a la inmigración.

Bajo este concepto, el trío de violinistas creó en 2005 el proyecto “Villalobos Brothers” o Hermanos Villalobos, para cantar y componer fusionando la música clásica con el folclore de su natal Veracruz, en México.

“Es realmente un privilegio poder poner palabras encima de algo que ya de por sí es tan bello como la música. En el momento en el que le sumas las letras a la música se vuelve algo muy poderoso porque estás comunicando a varios niveles: a nivel musical, que es un lenguaje universal y con un mensaje muy específico, que puede ser de amor, de hermandad, de justicia social, de cambio”, dijo a la Voz de América Ernesto Villalobos, el mayor de los hermanos.

De esta manera, los Villalobos Brothers han recorrido el mundo llevando su mensaje de unidad, con el tema migratorio como uno de sus pilares porque como ellos mismos afirman, es algo con lo que les ha tocado vivir.

Este trío de violinistas mexicanos está de visita en el área metropolitana de Washington para ofrecer un único recital el sábado 26 de octubre en el Hylton Performing Arts de Manassas, Virginia, pero al mismo tiempo compartir su talento y sus enseñanzas con jóvenes estudiantes y personas interesadas en el poder de la música y su trabajo fusión.

«Somos ciudadanos del mundo»

“Desde muy jóvenes hemos vivido la inmigración constantemente. Vivimos hasta los 18 años en México y desde entonces cada uno de nosotros hemos sido inmigrantes en otros países”, cuenta Alberto Villalobos, otro de los hermanos.

Los Villalobos dejaron la mexicana Veracruz en busca de nuevos horizontes y conocimientos musicales. Fue así que Ernesto viajó a Estados Unidos gracias a una beca para estudiar su maestría en Nueva York. Lo propio hicieron sus hermanos Alberto en Bélgica y Luis en Alemania.

“Después que todos estudiamos nuestras maestrías en música clásica, violín y composición no nos sentíamos representados y quisimos expresar algo original en donde también pudiéramos utilizar nuestra voz como instrumento y empezamos a fusionar nuestras composiciones con elementos de la música tradicional de Veracruz», cuenta Luis Villalobos.

De esta manera, el jarocho y el huasteco veracruzano -música típica de su región natal-, se entremezclan con el latin jazz y el rock para dar vida a sonidos propios con un valor social añadido.

Gracias a su música y a sus mensajes, los Villalobos Brothers han podido llegar a un público global pisando escenarios reconocidos como el Carnegie Hall y el Rockefeller Center de Nueva York, junto al Hylton Performing Arts en Virginia. Incluso, fueron convocados para participar en una producción de la mano del maestro Arturo O’Farrill, la cual obtuvo un Grammy en la categoría de Mejor Album Latin Jazz.

“Siempre me sorprendo de la receptividad del público. A pesar que la mayoría de las canciones que hacemos son en español, el público responde de manera positiva sea hispano, americano, gente de Asia y eso a mí me da esperanza porque estamos hablando de las emociones y la gente se conecta”, confesó a la Voz de América Luis, el menor de los Villalobos.

“Creo que nuestra misión es intentar a través de nuestro ejemplo cambiar esa imagen, esos clichés negativos que se tienen del inmigrante de EEUU”, insistió.

Los Villalobos Brothers están muy identificados con sus raíces latinas y a pesar que se consideran «ciudadanos del mundo» aseguran estar felices de poder transmitir con su música valores como la hermandad y la igualdad siendo «Somos» uno de sus temas preferidos.

«Este tema nos lleva a pensar más allá de nuestra nación y de ser latino. Los humanos somos 99.6 % iguales, así que es absolutamente ridícula esa fijación que tenemos en enfocarnos en nuestras diferencias. Somos una gran familia y este tema empieza a nombrar a todas esas nacionalidades», afirma Luis Villalobos.

“Somos africanos, somos bolivianos, somos gente de raíces fuertes, somos fuego y somos verdad… el mensaje que quiero dar es de humanismo, ese es el futuro, no más fronteras y mas bien un abrazo realmente fraternal y universal entre naciones y entre seres humanos», finaliza el músico.

Educadores por excelencia

Los hermanos Villalobos no sólo disfrutan y se divierten cuando están sobre el escenario, sino también compartiendo sus conocimientos. Enseñan en varias escuelas en Estados Unidos y trabajan conjuntamente creando currículas musicales en múltiples instituciones educativas.

«Participamos de lecturas, demostraciones, interacciones con los estudiantes y eso crea una experiencia muy fuerte. Es muy importante poder compartir con los niños porque ellos tienen la oportunidad de visualizar una realidad que si bien puede ser remota pueden llegar a crear algo en su mente y eso es vital», afirma Alberto Villalobos, quien recuerda que gracias a sus padres desde muy pequeño tuvo ese primer acercamiento musical que impactó en su vida.

En su visita a Virginia, los hermanos Villalobos realizaron una serie de actividades con la comunidad fuera de los escenarios, como una manera de reducir la distancia entre el artista y el público.

«El propósito de este programa es conectar a los artistas con los miembros de la comunidad. Queremos que los artistas tengan más oportunidades de conectarse y que los miembros de la comunidad los conozcan como artistas, pero también como seres humanos. (…) Ha tenido gran éxito porque permite llevar el arte fuera de nuestros espacios tradicionales a lugares donde de otra manera las personas no tendrían acceso», dijo a la VOA Adrienne Bryant Godwin, directora de programación de arte y visuales del Hylton Center.

Fuente: Vozdeamerica.com

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ARCHIVO – Josué Benjamín Figueroa, el venezolano que busca un Récord Guinness con su obra de 6 metros inspirada en el santo patrono de la ciudad venezolana de Guacara, San Agustín de Hipona.

El venezolano Josué Benjamín Figueroa, de 15 años de edad, creó una escultura de seis metros de altura del santo patrono de la ciudad de Guacara, San Agustín de Hipona. Ahora aspira a obtener un Récord Guinness.

La carrera del artista de la plástica Josué Benjamín Figueroa ha estado llena de grandes logros pese a su corta edad. El venezolano, de 15 años, terminó recientemente una escultura de seis metros de altura en el estado Carabobo, con la que busca alcanzar un Récord Guinness con la estructura más alta del mundo para un creador adolescente.

Se trata de una recreación de la figura del escritor, teólogo y filósofo cristiano San Agustín de Hipona (354- 430). Es considerado el “Doctor de la Gracia”, el máximo pensador del cristianismo del primer milenio y uno de los más grandes genios de la humanidad.​

La idea de elaborar la escultura surgió cuando Figueroa transitaba por la zona de Guacara, en el propio estado venezolano de Carabobo, y observó un espacio amplio donde imaginó que podría situar la obra.

“Había un lugar súper majestuoso para colocar una escultura en una piedra que estaba justamente en la entrada de la ciudad y resulta que en muchas ciudades del país se adoptan (y veneran) distintos patrones. El patrono de esa ciudad es San Agustín de Hipona. Me puse a investigar y bueno me di cuenta que San Agustín es uno de los precursores del cristianismo, un teólogo importante de la historia, así que decidí que la escultura sería de este emblemático personaje”, contó en entrevista a la Voz de América.

El proceso de creación de la escultura de San Agustín de Hipona tardó unos tres meses en total. Figueroa detalló que contó con la ayuda de su equipo para montar las toneladas de arcilla y darle forma a la escultura antes de forjarla en un material más sólido.

ARCHIVO – El joven artista venezolano de 15 años. Josué Benjamín Figueroa, posa con la escultura de 6 metros que creó inspirado en la figura de San Agustín de Hipona, patrón de la ciudad de Guacara, en el estado de Carabobo.

Ahora, con su escultura terminada, el siguiente paso para él es que representantes del Libro Guinness de los Récords logren certificar su obra como la escultura más alta del mundo (seis metros) hecha por un artista de 15 años de edad. Para ello, Josué Benjamín Figueroa ha emprendido una campaña para dar a conocer su reciente trabajo.

Aunque aún desconoce si recibirá la certificación del Récord Guinness, el venezolano asegura que esta escultura de San Agustín de Hipona es la que más lo ha marcado en sus 11 años de carrera debido a sus magnitudes. “Es mi primer monumento de ese tamaño y más allá de eso, está todo lo que nos enseñó y todas las investigaciones de San Agustín de Hipona, que es una de las historias más importantes de redención”, agregó.

De muñecos de plastilina a las esculturas de 6 metros

En Venezuela el nombre de Josué Benjamín es ampliamente conocido, pues el joven – quien se inició el mundo de la escultura a los cuatro años- ha utilizado las redes sociales para promover su trabajo desde hace varios años, cuando comenzó esculpiendo muñequitos de plastilina. El primero de ellos fue Mario, el famoso fontanero de Nintendo.

A esto le siguió una gran cantidad de estas figuras, inspiradas en personajes de películas como Batman, Thor, Pantera Negra, pero también de personalidades del mundo del deporte como la atleta venezolana Yulimar Rojas y el astro portugués del fútbol Cristiano Ronaldo.

A los siete años, Figueroa decidió empezar a trabajar con arcilla, lo que llevó su trabajo a un siguiente nivel.

Eso, sumado a la exposición de sus obras en redes sociales, lo ha llevado a alcanzar grandes logros a su corta edad, como tener su propio programa en la televisora Nickelodeon llamado El taller de Josué, y su propia galería de arte: la Galería Josué Benjamín, ubicada en el este de Caracas.

Actualmente, Josué Benjamín Figueroa tiene una comunidad en Instagram de 1,3 millones de seguidores.

Pese a su ascendente carrera, el joven no ha dejado a un lado sus estudios, los que alterna con su labor artística.

La internacionalización, su siguiente meta

El escultor venezolano es consciente de que ha logrado grandes cosas a su corta edad, pero eso no es impedimento para que siga soñando y trabajando en nuevas metas. Próximamente, Figueroa adelantó que tendrá sus primeras exposiciones en Alemania y España, donde exhibirá un total de 40 de sus piezas. Este paso es el inicio de su internacionalización, una aspiración que espera volver realidad muy pronto.

ARCHIVO – Josué Benjamín Figueroa, el venezolano de 15 años que busca un Récord Guinness por su escultura de 6 metros, posa con una de sus obras.

“A mí me encanta crear monumentos, esculturas de magnitudes gigantes y de tamaño real. Ahorita estoy desarrollando mi propia técnica que consiste en cuánto más lejos miras la escultura puedes visualizar mejor la forma que tiene y cuánto más cerca estás más abstracto parece”, detalla.

Su madre, Elena Torres de Figueroa es su más grande admiradora y lo ha apoyado en cada meta que se ha propuesto como escultura. Aseguró a la VOA que se siente muy orgullosa y que es consciente de la responsabilidad que tiene de apoyar a su hijo en el camino profesional que decidió emprender.

“Como madre es un orgullo muy grande ver a tu hijo alcanzar sus metas y sueños. También es una responsabilidad apoyarlo y llevarlo de la mano en todos sus proyectos, pero bueno, es una alegría muy grande, una satisfacción y un orgullo”, expresó.

Fuente: Vozdeamerica.com

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